Michelle Dickson是一位美國藝術家。在這組超現實主義雕塑“Neither Mine Nor Yours”作品中，她將找到的材料和石膏、油漆、蠟混合創造出了有著天然裂縫紋理的自畫像。
△ 藝術家 Michelle Dickson 在製作雕塑作品
她徒步在華盛頓特區和巴爾的摩地區收集浮木，並將自己臉的石膏模型融合，創作出了超出我們對自畫像定義的作品，Dickson似乎透過作品向我們傳達了記憶和經歷對一個人的影響，並探索在一個不確定的世界中的身份和地位。
Dickson在直覺和實驗的基礎上進行創造。從自然腐朽的浮木，她引導她的觀眾去思考時間和使命產生的影響。她的作品也突出強調了她對於雕刻的觸感追求，吸引著我們去觸摸並保護它們，這也是她的作品的一個重要元素。
我們的觸碰能治癒時間在這張臉上造成的創傷嗎？“我認為這種創造在觀察者和被觀察的物體之間是充滿變化的。”此外，如何用潛力去喚醒同樣無形的記憶。這些頭部從哪裡來？他們去了哪裡？他們是怎麼到這裡的？最後，通過自然界的物體與人體元素的結合，Dickson鼓勵人們去思考：“我們會變成什麼樣？”
在她的作品中，並不是第一次提出對時間和死亡的思考：時間對自然的影響，生長，死亡和腐敗的週期，但是在“Neither Mine Nor Yours”中有更加接近本質的深究。這個系列通過自畫像的形式去研究身份，以及在一個比過去更加不確定的世界中的位置。這種生命中經常存在的不確定性成為了藝術家工作的動力。
“Neither Mine Nor Yours”還探索了人類的足跡對環境的影響。“人類為了生存破壞環境”的悖論上升到前列，我們周圍的物體和世界都有它的脆弱性。同時對時間和死亡的探究已經成為作品的本質。
藝術家對此進行了詮釋：我的工作的核心概念是時間以及它對記憶，身體和事物之間的關係的影響。我瞭解了記憶的物理過程，記憶力的不穩定性，由此而產生的對遺忘的恐懼。記憶舉足輕重。我的作品對於空間的運用經常與記憶的心理過程相契合。我對於發現生命不同部分形狀和構造的相似性十分感興趣。比如，為什麼河流和公路的結構像葉脈和根系，腐朽的牆壁可以作為時間的畫像和人類感官的記載。
通常我們害怕時間對我們產生影響，紅顏逝去，感情冷漠，世事變遷，不願去相信也不敢接受。藝術家為我們的焦慮做了考量。萬物都有其規律，經過時間磨礪的未必就只剩下腐朽。我想，這可以成為對這組作品的另一種解讀吧。
我們來欣賞下藝術家的其他作品，可以發現，Dickson一直在進行著對時間的探索。
Our life and its forgetting